Paul Simon creció en Queens en los años 50 y rivaliza con Woody Allen como la personificación del artista popular neoyorquino / urbano / intelectual de mediados del siglo XX. Fanático de la música pop desde la infancia, Simon y su amigo Art Garfunkel compusieron un exitoso single llamado Hey Schoolgirl a mediados de los 50, cuando aún estaban en la escuela secundaria. En esa y posteriores grabaciones de adolescentes se llamaron a sí mismos Tom & Jerry.

Sin embargo, los jóvenes brillantes Paul y Art no estaban dispuestos a dejar que un disco de éxito los distrajera de sus actividades serias. A principios de los sesenta, eran universitarios sobrios con el pelo corto y corbatas, que ocasionalmente interpretaban canciones folk y melodías de protesta para el público joven y serio de Folk City en Greenwich Village. Como Simon & Garfunkel, el equipo grabó un álbum de folk acústico y protesta para Columbia Records (Wednesday Morning 3 a.m.) antes de que Art se marchase a la escuela de posgrado y Paul a Inglaterra. Mientras estaba en Londres, Simon probó la incipiente cultura juvenil que estaba surgiendo alrededor de estrellas del pop como los Beatles, los Rolling Stones y ese otro cantante de protesta joven y serio de Nueva York, Bob Dylan. A Simon le gustó lo que escuchó y comenzó a escribir canciones poéticas sobre la alienación y la soledad. Algunas de las canciones eran inmaduras ("Los patrones de mi vida / Y el rompecabezas que soy yo") y otras eran sorprendentes (Kathy's Song). Lo que los distinguió a todos, y distinguió a Simon de la mayoría de los jóvenes recolectores sensibles que surgieron tras la estela de Dylan, fue que Simon realmente podía tocar la guitarra y, lo que es más notable, podía escribir melodías muy fuertes. Su entrenamiento pop no había sido olvidado, solo disfrazado. Simon cantó con CBS Records en Inglaterra y lanzó un LP llamado The Paul Simon Songbook.

Mientras tanto, en Estados Unidos, un disc jockey se enamoró y comenzó a pinchar Sounds Of Silence, una de las pocos originales del álbum de Columbia de Simon & Garfunkel. La compañía discográfica estaba teniendo mucho éxito con el folk rock de Dylan y los Byrds, así que pusieron una banda de rock en la pista y la lanzaron como single. Fue al número uno. Paul Simon fue llamado de vuelta a casa para meterse en el estudio con Garfunkel y hacer un álbum de folk rock antes de que pasara la locura. La mayor parte del álbum Sounds Of Silence consistía en nuevas versiones de Lp Songbook británico de Simon, que nadie en Estados Unidos había escuchado. Fue un éxito. Así comenzó una serie de éxitos de Simon & Garfunkel que se extendieron desde 1965 hasta 1970, y los convirtió en estrellas de una popularidad cercana a los Beatles. Si el dúo nunca obtuvo la aceptación contracultural de Dylan y los Stones, lo compensaron vendiendo más discos que ninguno de los dos. Los éxitos nunca se detuvieron: Homeward Bound, I Am A Rock, Scarborough Fair / Canticle, Mrs. Robinson, The Boxer, Bridge Over Troubled Water, Cecilia y muchas otras. Su banda sonora para la película de Mike Nichols,  The Graduate, en su mayoría cortes del LP de Simon & Garfunkel, los llamó a la atención de los mayores de 30 años, quienes encontraron en el dúo un acto de rock que mamá y papá podían disfrutar. Muchos jóvenes no consideraron que eso fuera un mérito de Simon & Garfunkel. Lo más extraño de todo el asunto fue que el papel de Simon en el acto fuese tan desproporcionado con el de Garfunkel. Simon escribió todas las canciones, tocó la guitarra y cantó. Garfunkel simplemente cantó las armonías altas y, a veces, un solo espectacular como en Bridge Over Troubled Water. Era el espectáculo de Simon, y con era de esperar empezaron a aparecer las tensiones. Simon sintió que era la mitad del acto y debería tener la misma voz. El éxito de The Graduate aumentó su fama y las presiones relacionadas. Cuando Simon quiso grabar una canción llamada “Cuba Si, Nixon No”, Garfunkel la bloqueó. Luego, Garfunkel, que tenía la oportunidad de hacer una carrera cinematográfica, se fue a hacer una película en México cuando Simon quería trabajar en un álbum. Simon hizo el álbum solo y, artísticamente, no perdió nada por hacerlo.

Paul Simon, lanzado en 1971, liberó al compositor de la restricción del sonido exuberante y armonioso de Simon & Garfunkel. Su amor por el reggae y los ritmos latinos, ya evidente en las últimas grabaciones de Simon & Garfunkel, le dieron a Simon sus primeros éxitos en solitario, Mother & Child Reunion y Me & Julio Down By The Schoolyard. En los siguientes lanzamientos, Simon siguió experimentando como un hombre recién liberado de la cárcel. Loves Me Like A Rock y Gone At Last lo unieron con un grupo de góspel, Kodachrome era puro pop, y 50 Ways To Leave Your Lover unió una letra sobre el hastío marital con un tambor marcial. En 1975, en Still Crazy After All These Years, Simon incluso se reunió con Garfunkel para una canción, My Little Town, que se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Después de eso, Simon no hizo otro LP durante cinco años (aunque su silencio se rompió con un álbum de grandes éxitos que contenía el sencillo Slip Slidin 'Away, apariciones como presentador invitado de Saturday Night Live y el papel en Annie Hall). Cuando regresó a la actividad, Simon trajo consigo una película, One-Trick Pony, que escribió y protagonizó. La historia de un músico de rock que tuvo un éxito a mediados del boom del folk rock de mediados de los sesenta y nunca consiguió un seguimiento. Los críticos llamaron a la película una especulación sobre cómo habría sido la vida de Paul Simon si Sounds Of Silence hubiera sido su único éxito. La película era quizás demasiado fiel para llegar a una amplia audiencia: Simon no describió la vida del rock & roll como glamorosa o emocionante, la presentó como aburrida, con pequeños triunfos ocasionales y muchas grandes decepciones. Las groupies no eran sexys, el público era tibio y los ejecutivos discográficos no destruían tu música con armas, simplemente hacían que sonara como Billy Joel. La película fracasó, aunque la banda sonora le dio a Simon el exitoso sencillo Late In The Evening. Como para tranquilizarse a sí mismo, Simon se reunió con Garfunkel para una gira que vio al dúo llenando estadios de fútbol, ​​13 años después de su último álbum. Se dispusieron a grabar un nuevo álbum, a la vez que Simon comenzó un nuevo matrimonio. Luego, justo cuando las cosas parecían en armonía de nuevo, Simon alienó a gran parte de su público borrando la voz de Garfunkel de los masters y lanzando el LP Hearts & Bones como otro álbum en solitario. Cerrojazo a futuras reuniones. El álbum se vendió solo moderadamente. Parecía que Simon había cometido un gran error.

Pero lo que nadie mencionó nunca fue lo bien que lo había hecho Simon con sus canciones. Hearts & Bones fue el trabajo más personal del cantante y exigió un acercamiento íntimo. En melodías como Think Too Much, Simon se acercó a sus propias emociones sin el brillo de la artesanía pop y el desapego de Tin Pan Alley que hacía que sus éxitos fueran perfectos para la radio. Un título como Rene & Georgette Magritte With Their Dog After The War seguramente haría que los críticos afilaran sus cuchillos, pero la canción era fuerte y Simon parecía no importarle lo que alguien dijera sobre su trabajo. Llevaba demasiado tiempo en ello, sabía demasiado y había ganado demasiadas victorias como para preocuparse por demostrar su valía.

En otoño de 1985, Simon salió de su limusina con un impermeable y un sombrero de fieltro y tomó el ascensor hasta su oficina en el edificio Brill. Estaba emocionado con su último disco, que tenía un poco de música cajún, un poco de mexicana y muchas colaboraciones con músicos africanos. También acababa de escribir la letra de una canción para el álbum Songs From Liquid Days de Philip Glass. Paul Simon no tuvo nada que ver con la moda pop. A medida que se alejó del centro de atención, se volvió más libre.

La otra noche estaba pensando en la cantidad de palabras innombrables que has llevado a las ondas, como "putas" en The Boxer. Cuando se lanzó Kodachrome, las estaciones de radio emitían un pitido sobre "mierda". Después de algunas semanas lo dejaron pasar, y pronto fue aceptable decirlo en radio y televisión. Eres el hombre que legalizó la "mierda".
Sí. Creo que soy la primera persona en usar "Jesús" en una canción no religiosa, en la Sra. Robinson.

¿Esa fue originalmente sobre Eleanor Roosevelt?
Sí. Fueron ambas. Estaba sentado escribiéndola pero cantaba "Mrs. Roosevelt". También canté "Mrs. Robinson". Artie le dijo a Mike Nichols "Paul está escribiendo una canción llamada Mrs. Robinson". Y él dijo "¿Estás escribiendo una canción llamada Mrs. Robinson y no me lo dijiste?" conteste: "Bueno, no sé si es la Sra. Robinson o la Sra. Roosevelt". Dijo: "¡No seas ridículo! ¡Estamos haciendo una película aquí! ¡Es la Sra. Robinson!"

Has coqueteado mucho con música espiritual y has basado canciones como Bridge Over Troubled Water y Peace Like A River en himnos.
Así es. Sucede mucho. Especialmente para alguien que realmente no es religioso.

Silent Eyes es lo más parecido a una declaración espiritual.
Eso no es realmente religioso. Silent Eyes trata sobre los judíos, pero no se trata de religión. Pero la religión entró mucho en mis canciones. Ahora trato de mantenerla fuera. Muchos católicos se sintieron ofendidos. Primero pensaron que era una persona realmente religiosa y cuando descubrieron que no lo era, que lo estaba usando de una manera diferente, no les gustó. Pensaron que era un sacrilegio o que me estaba burlando. Y yo, sin embargo, realmente no quiero ofender. No es tan importante para mí que quedarme con esa imaginería religiosa. Encontraré otra forma de hacerlo sin entrar en ese mundo.

¿Tus canciones vienen más por sentarte y trabajar o por inspiración?
Es una combinación de los dos. Escribo cuando estoy en el proceso de escritura, cuando estoy haciendo un álbum o lo que sea. Si tengo un proyecto específico, escribo. Cuando termino con el proyecto dejo de escribir. Por lo general, unos nueve meses después de terminar un álbum, siento la necesidad de volver a escribir algo. Me vienen a la cabeza palabras, frases y sé que es hora de empezar a escribir de nuevo. Pero cuando estoy en el proceso de escribir, logro más cuando me apego a un horario. El horario que me gusta es de ocho o nueve de la mañana hasta la una o dos de la tarde. Luego me detengo durante unas tres horas y vuelvo otra hora a las cinco o seis y repaso lo que he hecho. Fecho las páginas todos los días para poder volver atrás y ver cómo avanzó el trabajo.

A veces tus letras subvierten la música. My Little Town tenía una melodía muy bonita y palabras oscuras.
Escribí My Little Town específicamente para Art Garfunkel. Pero se volvió una grabación de Simon & Garfunkel. Quería escribirle a Art una canción con una letra desagradable porque cantaba muchas canciones dulces. Pensé que era hora de que cantara una letra realmente desagradable y mordaz. La canción comenzó con una frase. Yo le decía a la gente: "¿Cómo terminarías esto: 'En mi pequeño pueblo solía ser conocido como...'?" y le preguntaba a la gente. Y de hecho me estaba imaginando un pueblo. Estaba pensando en Gloucester, Massachusetts. Un amigo mío era de Glouchester y solía hablar de cómo era crecer allí. Crecí en Queens, así que nunca tuve ese sentimiento. Esa canción fue completamente un acto de imaginación, a diferencia de una autobiografía. No hay ningún elemento mío allí en absoluto. Fue una de las primeras canciones en las que usé acordes medio disminuidos como una forma de bajar cromáticamente la escala.

Still Crazy After All These Years tenía una sensación de ardor bastante diferente a sus álbumes anteriores. Se sentía como si hubieras estado escuchando mucho a Randy Newman. Había un pinchazo, incluso algo desagradable en algunas de las canciones.
Sí. No suelo escribir sobre la ira o el sentimiento de culpa. Pero es parte de la naturaleza de todos. You're Kind es una especie de canción cruel. Es una canción indiferente: alguien te trata muy bien y dices "me voy". Se puede decir que es por una razón arbitraria: "Me gusta dormir con la ventana abierta y tú duermes con la ventana cerrada". O podría decirse que es una metáfora de la libertad. Funciona de cualquier manera. Era consciente de eso cuando la escribí. Creo que el hecho de que funcione de cualquier manera la convierte en una mejor canción. Hay personas que no soportan estar encerradas, y hay personas a las que les importa un carajo y simplemente deciden "Es mejor para mí, así que me voy". Me gusta mucho esa canción por eso. Generalmente no es la forma en que trato a las personas, pero es un elemento de mi personalidad que reprimo. También es cierta para mí porque tiendo a ser claustrofóbico con mucha facilidad, pero el otro significado es aún más divertido.

En One-Trick Pony, tus canciones no tuvieron tantos giros y vueltas como el trabajo que las precedió. Lírica y musicalmente, las canciones fueron más directas.
Estaba empezando a jugar con las palabras de una manera diferente al álbum anterior, que era Still Crazy. Cometí errores, pero estaba tratando de relajarme más con las palabras. Buscaba un uso diferente de las imágenes: "El niño tiene un corazón, pero late en el lado opuesto". En Hearts & Bones me metí mucho más en eso. Y en el nuevo álbum es más fácil. Cuanto más lo práctico, más puedo entrar y salir de la conversación a las imágenes, para hacer una transición suave de la escritura coloquial a la poética. Si no haces la transición suavemente, puede resultar pretencioso. Pero si puedes hacerlo suavemente, entonces creo que está en algún lugar entre la escritura lírica y la poesía, y eso es bueno. Diría que Hearts & Bones estuvo bastante cerca de eso. Las palabras fluyen con mucha facilidad desde las imágenes visuales hasta las personas que hablan y la narración.

Esa canción me parece muy personal. ¿Te preocupaste por revelar demasiado?
Bueno, eso es un debate. Tienes que tener ese debate todo el tiempo. Esa fue una canción muy personal, es cierto. Todo ese álbum fue muy personal y lo hice conscientemente. Tal vez sea una racionalización, pero dije: "Los hechos de mi vida son realmente irrelevantes. ¿Cuál es la diferencia entre si esto es cierto o no? No importa. Tal vez Train In The Distance sea literalmente cierta y tal vez no lo sea. ¿Cuál es la diferencia? La historia no es realmente lo importante: el punto es… Por eso dije: "Así que contaré mi historia exacta. ¿Y qué? No hay ninguna diferencia". Entonces, en cierto modo, aunque era completamente personal, la despersonalicé diciendo: "¿Cuál es la diferencia entre la historia? Podría ser mi historia, podría ser la tuya. No importa".

Bueno, creo que es una racionalización. Pero es genial.
Puede ser. Por otro lado, todos los artistas usan su vida en su trabajo. Quiero decir, ¿cuál más va a ser la fuente del material? Por supuesto, puede escribir algo que sea muy conmovedor para usted personalmente, pero es demasiado personal y no tiene una calidad universal. Pero te deja inconsciente porque se trata de ti. Podrías publicar una revista llamada My Coat, y estarías realmente interesado en ella porque cada página, cada capítulo tiene cosas de tus interés. Pero nadie más lo va a comprar.

Las dos versiones de Think Too Much son tan diferentes que difícilmente son la misma canción.
Eso es la broma de Think Too Much. La primera fue la acelerada, la rápida. Y cuando la terminé dije "Quizás he tratado el tema con demasiada ligereza". Y luego me di cuenta de que era muy divertido, porque eso es exactamente de lo que estoy hablando: pensar demasiado. Algo que estoy escribiendo en una canción y es bastante interesante, pero no tengo idea de por qué estoy escribiendo esas letras. Luego más tarde dije "¡Oh, trata de este tema!". Rene & Georgette Magritte With Their Dog After The War es una de las mejores canciones que he escrito de esa manera. Se mantiene unida en el nivel de imágenes surrealistas como lo haría una pintura de Magritte, porque yuxtapongo dos cosas que normalmente no estarían dentro del mismo marco: la pareja de Magritte y los grupos de rhythm ‘n’ blues de los años 50: "The Penguins, the Moonglows, the Orioles, the Five Satins”. Esa canción tiene un estado de ánimo que parece correcto. Me hace sentir algo. Es más difícil decir exactamente lo que significa, pero me hace sentir algo específicamente. Me hace pensar en volver a la letra.

Rene and Georgette Magritte with their dog after the war.
Eso vino de un pie de foto. La leyenda real era " Georgette & Rene Magritte with their dog during the war ", pero la transpuse. Debe haber tenido más ritmo de esta manera.

También tiene un poco más de sentido.
¿Por qué?

Porque esos grupos de doo-wop no existieron hasta después de la guerra.
Le estás aplicando una lógica que yo nunca hice. De todos modos, esos grupos no existían en la vida de Magritte. No estaba pensando de esa manera en absoluto.

Returned to their hotel suite and they unlocked the door. (Regresaron a la suite del hotel y abrieron la puerta).
Bueno, es el mismo ritmo y es una rima. War / Door. Y cuando abren la puerta, abre la canción. Puedes ir a cualquier parte ahora. ¡Han abierto la puerta! ¿Entonces qué pasa?

Un escritor menor pasaría gastaría tiempo en la canción describiendo los muebles del hotel.
No sé qué sería menos interesante, pero una vez que abres la puerta puedes ir a cualquier parte. Esa es la clave. Metafóricamente, creo que esa es la clave de todas las canciones: tienes que abrir ciertas puertas para liberarte y que la canción no sea predecible. Para que tenga vida. De lo contrario, es un cliché. Si sabes lo que va a pasar, no puedes ser conmovido, hace que la letra no tenga importancia. Eso deja ritmo y melodía. Hoy en día, la gente se mueve principalmente por el ritmo. Pero esta canción tiene mucho que ver con las palabras, y de hecho está en un tiempo de 3x4, por lo que ni siquiera está en un ritmo de baile que use la gente. La gente no baila vals.

Easily losing their evening clothes. (Perdiendo fácilmente su ropa de noche).
Esa es la forma como se canta: el sonido EEE-OOO-EEE-OOO: “e-sily loo-sing e-v'ning clo”. Hay un sueño en ese sonido. Y las palabras también son evocadoras. Sé que funciona porque el sonido es correcto y la imagen es interesante. ¿A dónde vamos desde aquí?

They danced by the light of the moon. (Ellos bailaron a la luz de la luna).
Aquí viene el salto. "Para the Penguins, the Moonglows, the Orioles, the Five Satins". No pensé que la gente conociese a los grupos que elegí. A menos que fuesen tan mayores como yo. Pero los nombres de esos grupos tienen una cualidad surrealista. Ni siquiera sabes si son grupos, pero los sonidos son correctos. Y pingüinos, una luna brillante y oropéndolas podrían estar en un cuadro de Magritte.

The deep forbidden music they'd been longing for. (La música profunda y prohibida que habían estado anhelando).
Bueno, eso es rock & roll, y la primera sensación de rock & roll te conmovió, porque era real. Estoy seguro de que eso es lo que estaba pensando o sintiendo. En ese entonces estaba prohibido y "longing for" volvió a poner en marcha mi rima: "Rene and Georgette Magritte with their dog after the war”. Luego empiezo de nuevo.

Rene & Georgette Magritte with their dog after the war / Were strolling down Christopher Street when they stopped in a men's store. (Rene y Georgette Magritte con su perro después de la guerra / Estaban paseando por Christopher Street cuando se detuvieron en una tienda de hombres).
Bueno, eso es una broma. ¿Qué más hay en Christopher Street? Es el centro de la comunidad gay en los Estados Unidos. Pensé que era tan interesante como cualquier otro lugar para ellos.

With all of the mannequins dressed in the style that brought tears to their immigrant eyes. (Con todos los maniquíes vestidos al estilo que hizo llorar a sus ojos de inmigrantes.).
No sé cómo sucedió eso. Muchas veces las palabras simplemente vienen. “Just like the Penguins, the Moonglows, the Orioles, and the Five Satins. The easy " - hay ese sonido EE de nuevo - "stream of music flowing through the air". Entonces debí haber pensado, ¿dónde está mi rima? Oh, tengo una buena broma. Iré a la francesa. "Rene and Georgette Magritte with their dog après la guerre". Entonces eso es agradable y ordenado y lleva su idioma y tiene una broma y cambia las cosas y todo está muy bien enredado y puede ir a cualquier parte. Ahora cambio de tono. Creo que está escrito en Fa. Subo el puente un escalón hasta Sol. Lo he hecho varias veces. Saltaré un tono en un puente solo para cambiarlo, para mantenerlo fresco. Saltas un tono y las cosas se sienten bien, vivas. Entonces solo tienes que averiguar cómo volver. Es fácil pasar de Fa a Sol, solo tienes que ir allí. Si desea volver de Sol a Fa, es necesario maniobrar un poco.

Side by side they fell asleep / Decades gliding by like Indians, time is cheap.  (Uno al lado del otro se durmieron / Décadas deslizándose como indios, el tiempo es barato).
Una vez más, no sé realmente cómo sucedió. “Gliding by like Indians " parecía una bonita frase. La pensé cuando estaba corriendo en Central Park. ¡Algunas personas no sabían de qué indios estaba hablando! Por supuesto que estaba pensando en los indios americanos.

When they wake up they will find / All their personal belongings have intertwined.  (Cuando se despierten encontrarán / Que todas sus pertenencias personales se han entrelazado).
Realmente no me gustó eso. El pensamiento era correcto, pero "intertwined" no era lo suficientemente coloquial para la canción. Es un poco forzado, pero no se me ocurrió nada mejor. En la mayoría de las canciones habrá un cierto porcentaje de líneas que no serán perfectas. Es muy inusual anotar un diez en una canción. No es que cada línea deba ser espectacular; la función de algunas líneas es configurar la línea que debe tener un impacto. Pero las líneas que están destinadas a allanar el camino deben ser lo suficientemente suaves como para fluir sin previo aviso. Si una línea va a llamar la atención sobre sí misma con una palabra inusual o un ritmo entrecortado, si el oyente se ve obligado a prestar atención, debería tener algo que decir en esa línea.

Woo, woo, woo.
El sonido de esos grupos de los 50. Luego tuve que volver a tono de Fa. En el tono de Sol, comencé a poner la tercera del acorde en la nota fundamental. Eso me ayudó a volver. Creo que fui a una sexta de Sol menor. Esa sería una solución. Si subes un tono en una tonalidad mayor y quieres volver a la tonalidad original, lo conviertes en un acorde menor. Luego se convierte en un 2 menor, que cumple la misma función que un acorde dominante de 5 y puede volver a la clave anterior. Entonces, si fui al séptimo en Sol menor, eso no es diferente de un Do9. Y un  Do9 o un Do7 te llevarán de regreso a la tonalidad de Fa. Así que ahora estoy de vuelta en la tonalidad de Fa.

Rene and Georgette Magritte with their dog after the war / Were dining with the power elite when they looked in their bedroom drawer. Rene y Georgette Magritte con su perro después de la guerra / Estaban cenando con la élite del poder cuando miraron en el cajón de su dormitorio.
Hay algo un poco oscuro en eso. Pensaba que una de las mayores invasiones a la privacidad es mirar en un cajón del dormitorio de alguien. Así que hay algo en esto que es un poco desagradable. Entonces me di cuenta, bueno, ha pasado el tiempo y ahora están con la élite del poder. Se trata de la pérdida de la inocencia.

And what do you think they have hidden away in the cabinet cold of their hearts? (¿Y qué crees que han escondido en el frío armario de sus corazones?).
Algo sobre "armario frío" es un poco gris. Ese sonido de archivador metálico parece muy frío. Era una imagen diferente de frialdad en el corazón. Y tienes aliteración, por lo que el ritmo es forzado por las dos C: "Cabinet Cold”. Luego volví a "The Penguins, the Moonglows, the Orioles and the Five Satins". Pero cambié los acordes. Ya no estaba en acordes mayores, estaba en menores.

For now and ever after as it was before. (Por ahora y para siempre como era antes).
No lo sé. Para entonces, las canciones se apagaban por sí solas. Ya estaba viva y palpitante. Podrías decir cualquier cosa, de verdad. Estaba lo suficientemente viva como para que pudiera significar muchas cosas. Podría significar diferentes cosas para diferentes personas. Eso es bueno. Eso significa que la canción está viva y se puede abordar desde muchas direcciones diferentes, y creo que es una canción interesante.

Lo gracioso es que siempre pensé que la canción tenía perfecto sentido. Supuse que se trataba de inmigrantes que llegaban a Estados Unidos. Pensé que eligió un nombre asociado inmediatamente con Europa, Magritte, y procedió a mostrarnos a través de "ojos de inmigrantes" visiones de América: el bajo Manhattan, tiendas opulentas, indios, grupos vocales negros.
Eso es lo que dije antes. Se siente bien, así que debe haber algo de verdad al respecto. En realidad no tiene sentido, pero ¿por qué debería tener sentido una canción sobre Magritte? Sus pinturas no tenían sentido, pero insinuaban algo subterráneo que sí. La canción era fiel para él y tocó algo emocional, y la convirtió en una buena canción. Por eso creo que esa canción es un buen trabajo.